"Cena Familiar " - Poema de Affonso Romano de Sant’Anna

Judith Leyster (1609-1660), O Casal Feliz, 1630, Museu do Louvre

Cena Familiar

Densa e doce paz na semiluz da sala. 

Na poltrona, enroscada e absorta, uma filha 

desenha patos e flores. 

Sobre o couro, no chão, a outra viaja silenciosa 

nas artimanhas do espião. 

Ao pé da lareira a mulher se ilumina numa gravura 

flamenga, desenhando, bordando pontos de paz. 

Da mesa as contemplo e anoto a felicidade 

que transborda da moldura do poema. 

A sopa fumegante sobre a mesa, vinhos e queijos, 

relembranças de viagens e a lareira acesa. 

Esta casa na neblina, ancorada entre pinheiros, 

é uma nave iluminada. 

Um oboé de Mozart torna densa a eternidade. 

Affonso Romano de Sant’Anna

Serenade por Judith Leyster, 1629, Rijksmuseum 

"Paz e harmonia: eis a verdadeira riqueza de uma família." 

(Benjamin Franklin)

Woman playing a Virginal, de Jan Miense Molenaer, 

marido da pintora Judith Leyster

"A alegria é a pedra filosofal que tudo converte em ouro."

(Benjamin Franklin)

Jan Miense Molenaer, His Family portrait, 1635.

 

"Um bom exemplo é o melhor sermão."

(Benjamin Franklin)

"Indefinida" - Poema de Natércia Freire

Peter Paul Rubens, Venus at the Mirror, 1615

 

 

Indefinida
 

Oh, poesia de andar
suspensa sobre os outeiros!
Poesia de correr
fundida nos ribeiros…
Oh, Poesia de ti,
que em mim estás a viver!
Oh, Poesia de então,
nos jardins, sob o Inverno,
pés na lama do chão,
e o dia, um dia eterno
de Poesia, a morrer!...

Poesia dos murmúrios,
dos nevoeiros densos,
dos silêncios sem luz,
dos pecados imensos,
sem gestos, qual a morte,
qual a ausência, sem vida.

Poesia de fechar
os olhos alagados
da Poesia de ti,
dos teus olhos fechados;
Poesia de ser virgem
e casta e indefinida…

Poesia dos passeios
por entre a claridade,
entre árvores tão esguias
que tocavam os Céus,
e as folhas a cair
de um oiro sem idade…

Poesia fabulosa,
de uma riqueza enorme…
Uma Poesia fina,
alada, misteriosa;
Poesia de um passado
que em mim nunca mais dorme!

Poesia perturbada,
Poesia abandonada.
Poesia na prisão,
sufocada, esquecida,
Poesia recalcada,
Poesia maltratada.
Oh, Poesia troçada
da jovem bem-casada
na poesia da vida!…

Ai, dias sem desígnio!
Ai, noites de mistério!
Poesia de ser virgem
e casta e indefinida!... 

Natércia Freire,
in “Anel de Sete Pedras”

Peter Paul Rubens, The Three Graces, 1635, Prado

 

 

Passei os pinhais sombrios
as searas mais os rios,
os salgueiros sossegados,
os ventos mais apressados,
as mais líricas montanhas
e as paisagens mais estranhas,
e só fui o que quis ser:
um espaço longo e deserto
num destino de mulher. 

 

 Natércia Freire

"Como de súbito na vida tudo cansa!" - Poema de Jorge de Sena

Henry Moore, Reclining Figure (1951), localizada no exterior do Museu Fitzwilliam, Cambridge

Como de Súbito na Vida 

Como de súbito na vida tudo cansa! 

e cansa-nos a vida e nos cansamos dela, 

ou ela é quem se cansa de nós mesmos, 

na teima de existir e desejar? 

Porque, neste cansaço, não o que não tivemos, 

ou que perdemos, ou nos foi negado, 

o que de que se cansa, mas também 

o quanto temos, nos ama, se nos dá 

a até os simples gozos de estar vivo. 

Um dia é como se uma corda se quebrara, 

ou como se acabara de gastar-se, 

que nos prendia a tudo e tudo a nós. 

Não é que as coisas percam importância, 

as pessoas se afastem, se recusem, 

ou nós nos recusemos. Não. É mais 

ou menos que isto - se deseja igual 

ao como até há pouco desejávamos. 

É talvez mais. Mas sem valor algum. 

O dia é noite, a noite é dia, a luz 

se apaga ou se derrama sobre as coisas 

mas elas deixam de ter forma e cor, 

ou se sumir no espaço como forma oculta. 

E o que sentimos é pior que quanto 

dantes sentíamos nas horas ásperas 

da fúria de não ter ou de ter tido. 

Porque se sente o não sentir. Um tédio 

Não como o tédio antigo. Nem vazio. 

O não sentir. Que cansa como nada. 

Até dizê-lo cansa. É inútil. Cansa. 

Jorge de Sena

Henry Moore,  by Allan Warren, 1975

Henry Spencer Moore (Castleford, Yorkshire, 1898 — Perry Green, Hertfordshire, 1986) foi um escultor e desenhista britânico que desenvolveu uma obra tridimensional predominantemente figurativa, com breves incursões pela abstração.

Filho de um engenheiro de minas, Moore se tornou conhecido por suas esculturas abstratas em grande escala, de bronze fundido e de mármore. Substancialmente sustentado pela instituição de arte britânica, Moore ajudou a introduzir uma forma especial de modernismo no Reino Unido.

Recebeu as condecorações Ordem de Mérito, Ordem dos Companheiros de Honra e fazia parte da Federação de Artistas Britânicos (Federation of British Artists).

Frequentou o Leeds College of Art e o Royal College of Art de Londres. Sua primeira exposição individual ocorreu em Londres, em 1928, onde apresentou 42 esculturas e 51 desenhos.

Foi influenciado sobretudo pela arte mexicana pré-colombiana, assim como pela arte arcaica e renascentista, pelo Surrealismo e pelo Construtivismo. A essa cultura visual vasta e multiforme do artista soma-se uma sensível capacidade de análise da natureza. (Daqui) 

Henry Moore in his studio in England (1975), by Allan Warren

"O Corpo Exige" - Poema de Affonso Romano de Sant'Anna

António Neves,  Porto - Elétrico, Técnica Mista 

 

O Corpo Exige

 

Presto distraída atenção ao meu corpo. 

O que me pede, eu faço. 

Às vezes, não entendo logo suas ordens, mas 

cedo sempre. 

Me achego a ele e indago: 

-O que queres? Ah, é isso? Então, concedo. 

Sempre que eu resisti 

um de nós saiu-se mal. 

Nas 24 horas do dia, ele pede, 

e quando cala, fala 

num discurso de sonhos 

que me abala. 

Ele sabe. Eu sei que ele sabe, 

e sabe antes de mim, e nele 

eu sei dobrado, sou um-e-dois 

como os dois cortes de um sabre.

Affonso Romano de Sant'Anna

António Zambujo - "Pica do 7"

António Zambujo (Site Oficial) e  Sandra Barata Belo

 

Amor e Medo

Estou te amando e não percebo,

porque, certo, tenho medo.

Estou te amando, sim, concedo,

mas te amando tanto

que nem a mim mesmo

revelo este segredo.

 

Affonso Romano de Sant'Anna

"Maluda: A cidade e o silêncio" - Crónica de Fernando Pernes

Maluda, Porto I, Óleo sobre tela, 73x92cm, 1987, Colecção particular

A cidade e o silêncio

Fernando Pernes 

O espetáculo urbano voltou à arte contemporânea, após as décadas de radicalismo abstrato, geométrico ou expressionista. Assim aconteceu desde o fenómeno «pop». Assim sucede nesta pintura de Maluda, diferentemente gerada num sistemático decantamento de experiências cezannianas que lentamente lhe determinaram específica originalidade. Figurativa, a pintura de Maluda absorveu da essencialidade geométrica, o primado da ordenação plástica. Do abstracionismo, reteve a exigência de um discurso anti descritivo. A essência construtiva, o ascetismo lírico, eis pois duas eloquentes constantes nos quadros de Maluda, organizados numa depuração do naturalismo e da efusão sentimental: uma busca da clareza formal a que se conjuga o culto da claridade cromática.

Nítidas e claras são pois as composições de Maluda, assumindo, entre ambos os vetores, uma óbvia relação arquitetural como sugestiva qualidade de luz solar que as torna paisagens reconhecíveis numa perspetiva de referência meridional. Nelas, há puros ritmos de formas urbanas a destacarem se na fixidez de cores frias. Cores que podem reproduzir o vermelho de telhados, o branco ou o cinzento de fachadas, o azul do firmamento ou de águas, feitos espelhos de certa densidade sensual atribuível ao «habitat» português. 

Mas aí, também nesses quadros de Maluda, a procura do essencial e do universal, tende a varrer o anedótico e o descritivo, qualquer ruído ou agitação perturbadora, até à anulação de trepidações atmosféricas. O resto, o que permanece além da pormenorização, é a visão universalizadora. E o que fica, para lá do narrativo, será então o silêncio.

Paisagens de silêncio, eis de facto como nos aparecem os quadros de Maluda, mundo do evidente e do espectral, desassombrado e insólito, significando se para melhor nos significar, a nós, habitantes possíveis destas ruas sem tráfego, destes blocos mudos e cegos que são as casas do homem pousadas entre faixas congeladas de luz evocativa do céu ou do mar. E que, anti naturalista, esta pintura de Maluda surge sobretudo poética de progressiva congelação da natureza. Daí talvez o seu eco de ressonância metafísica, tanto mais nos surpreendendo quanto ainda evidenciando a persistência de um próximo e familiar, conotável com os sítios referidos nos quadros. Com sítios que trazem memórias ou visões lisboetas, de terras alentejanas ou algarvias, simultaneamente reconhecíveis numa essencialidade cromática ou topográfica, quanto distanciados na permanência do mesmo olhar decantante do pormenor individualizador e agindo por exigências depuradoras.

De tal modo, com Maluda, a linguagem geométrica dos arquétipos plásticos surge processo de uma dramaticidade tensa, exigente da nudez na vida oculta de todos nós. Consigo, o empenho no despojamento formal redunda na desocultação de uma condição existencial progressivamente mostrando a cidade, o homem português num mundo tão cético como expresso numa intensão universalizante a repudiar o típico e o pitoresco.

Decerto a ambição do essencial e do universal foi a determinante máxima de um processo da arte moderna que Maluda soube absorver na receptividade ao que a rodeia, aos horizontes do seu quotidiano. Agora, tal sentido do próximo despoja-se de verosimilhanças tranquilizantes: abre-se para peregrinações ao invisível e ao alarme que o rigor estruturante adensa, transformando os locais vividos em espelhos de uma vivência de solidão onde nos reconhecemos. Aí, a pintura de Maluda encontra plena justificação de modernidade estética e de atualidade sociológica.

Retratos da terra que habitamos, os seus quadros retratam nos a nossa verdade que ocultamos. Aí, também as suas paisagens passam da representação à relação do mistério, subjacente no desnudar das aparências festivas. A nudez plástica das paisagens de Maluda é imagem desocultada de algo que as palavras não sabem e onde a sua pintura reencontra a sabedoria imemorial das autênticas realizações artísticas. O ser moderno é sempre a procura dessa antiquíssima eloquência. 

Fernando Pernes, in Catálogo da Exposição Individual na Galeria Dinastia, no Porto, em 1978

Maluda, Porto II, Óleo sobre tela, 73x92cm, 1994, Colecção particular

“Vim do Oriente, onde nasce a luz; passei por África, onde aprendi a amar a vida; cheguei à Europa, onde estudei pintura na cidade das luzes; depois fixei-me em Lisboa. Gradualmente refiz o percurso labiríntico em direcção à luz. Cada passo revela, à sua maneira, esse jogo de sombras e de luz que é a vida e a morte, a sabedoria e a ignorância. Eu pinto. É uma aventura que não troco por nenhuma outra.”

Maluda, in Revista Galeria de Arte, nº 5, Julho/Agosto de 1996

Maluda, Porto IV, Óleo sobre tela, 50x60cm, 1994, Colecção particular

"Os quadros de Maluda são um hino, um louvor à vida, ou seja à construção do abrigo humano". 

(Maria Helena Vieira da Silva)

Maluda, Foto de Augusto Cabrita, Lisboa, 1973

Maria de Lourdes Ribeiro, conhecida por Maluda  (Goa, Goa Norte, Pangim, 15 de novembro de 1934 — Lisboa, 10 de fevereiro de 1999) foi uma pintora portuguesa.

Embora experimentando vários géneros, incluindo retratos, serigrafias, tapeçarias, cartazes, painéis murais, ilustrações e selos de correio, o cerne principal da pintura de Maluda está muito voltado para a síntese da paisagem urbana, no que a sua arte segue, conceptualmente, Paul Cézanne (1839-1906), o mestre do Impressionismo. Ou, como escreveu Fernando Pernes, a sua arte representa «um sistemático decantamento da experiência cezanniana».

Os quadros que pintava eram baseados principalmente nas cidades, nomeadamente na pintura de paisagens urbanas, janelas e vários outros elementos arquitetónicos. A notoriedade das suas obras pictóricas aparentemente mais simples (algumas utilizadas em selos oficiais por encomenda dos Correios portugueses), ao mesmo tempo que a promovia a uma das mais populares pintoras portuguesas das últimas décadas do século XX artístico português, também teve o efeito negativo de encobrir uma vasta obra de criação gráfica mais complexa. Na sua carreira, Maluda efetuou 24 exposições individuais e está representada em vários museus, entre os quais os da Fundação Calouste Gulbenkian e do Centro Cultural de Belém mas também em várias coleções particulares em Portugal e noutros países. (Daqui)

"A Lua de Londres" - Poema de João de Lemos

John Atkinson Grimshaw (British, 1836-1893), Reflections on the Thames, Westminster, London, 1880.

A Lua de Londres

É noite. O astro saudoso 

rompe a custo um plúmbeo céu, 

tolda-lhe o rosto formoso 

alvacento, húmido véu, 

traz perdida a cor de prata, 

nas águas não se retrata, 

não beija no campo a flor, 

não traz cortejo de estrelas, 

não fala de amor às belas, 

não fala aos homens de amor.

Meiga Lua! Os teus segredos 

onde os deixaste ficar? 

Deixaste-os nos arvoredos 

das praias de além do mar? 

Foi na terra tua amada, 

nessa terra tão banhada 

por teu límpido clarão? 

Foi na terra dos verdores, 

na pátria dos meus amores, 

pátria do meu coração!

Oh! que foi!... Deixaste o brilho 

nos montes de Portugal, 

lá onde nasce o tomilho, 

onde há fontes de cristal; 

lá onde viceja a rosa, 

onde a leve mariposa 

se espaneja à luz do Sol; 

lá onde Deus concedera 

que em noite de Primavera 

se escutasse o rouxinol.

Tu vens, ó Lua, tu deixas 

talvez há pouco o país 

onde do bosque as madeixas 

já têm um flóreo matiz; 

amaste do ar a doçura, 

do azul e formosura, 

das águas o suspirar. 

Como hás-de agora entre gelos 

dardejar teus raios belos, 

fumo e névoa aqui amar?

Quem viu as margens do Lima, 

do Mondego os salgueirais; 

quem andou por Tejo acima, 

por cima dos seus cristais; 

quem foi ao meu pátrio Douro 

sobre fina areia de ouro 

raios de prata esparzir 

não pode amar outra terra 

nem sob o céu de Inglaterra 

doces sorrisos sorrir.

Das cidades a princesa 

tens aqui; mas Deus igual 

não quis dar-lhe essa lindeza 

do teu e meu Portugal. 

Aqui, a indústria e as artes; 

além, de todas as partes, 

a natureza sem véu; 

aqui, ouro e pedrarias, 

ruas mil, mil arcarias; 

além, a terra e o céu!

Vastas serras de tijolo, 

estátuas, praças sem fim 

retalham, cobrem o solo, 

mas não me encantam a mim. 

Na minha pátria, uma aldeia, 

por noites de lua cheia, 

é tão bela e tão feliz!... 

Amo as casinhas da serra 

com a Lua da minha terra, 

nas terras do meu país.

Eu e tu, casta deidade, 

padecemos igual dor; 

temos a mesma saudade, 

sentimos o mesmo amor. 

Em Portugal, o teu rosto 

de riso e luz é composto; 

aqui, triste e sem clarão. 

Eu, lá, sinto-me contente; 

aqui, lembrança pungente 

faz-me negro o coração.

Eia, pois, ó astro amigo, 

voltemos aos puros céus. 

Leva-me, ó Lua, contigo, 

preso num raio dos teus. 

Voltemos ambos, voltemos, 

que nem eu nem tu podemos 

aqui ser quais Deus nos fez; 

terás brilho, eu terei vida, 

eu já livre e tu despida 

das nuvens do céu inglês. 

João de Lemos, 

em 'Impressões e Recordações " 

John Atkinson Grimshaw, The Pool and London Bridge at Night, 1884

“O que seriam os desertos da vida sem as brilhantes miragens dos nossos pensamentos!”

(Anatole France)

"Voltar ao Passado" - Texto de Anatole France

Cromeleque dos Almendres, VI, V e III milénios a.C., Évora, Portugal.

Voltar ao Passado

 

«E se procurarem saber porque é que todas as imaginações humanas, frescas ou murchas, tristes ou alegres, se voltam para o passado, curiosas de nele penetrarem, acharão sem dúvida que o passado é o nosso único passeio e o único lugar onde possamos escapar dos nossos aborrecimentos quotidianos, das nossas misérias, de nós mesmos. O presente é turvo e árido, o futuro está oculto.»

Anatole France, in 'A Vida em Flor'

Menir 64, com relevos de círculos e raquetas.

Cromeleque e o Menir dos Almendres

 

"Guerra" - Poema de Cecília Meireles

El Aquelarre ou El Gran Cabrón ("O grande Bode"), c. 1820-1823, pintura mural a óleo deslocada para tela, 

140 x 438 cm, Museu do Prado, uma das pinturas negras de Goya, visão fantástica e horripilante.

Guerra

 

Tanto é o sangue
que os rios desistem de seu ritmo,
e o oceano delira
e rejeita as espumas vermelhas.

Tanto é o sangue
que até a lua se levanta horrível,
e erra nos lugares serenos,
sonâmbula de auréolas rubras,
com o fogo do inferno em suas madeixas.

Tanta é a morte
que nem os rostos se conhecem, lado a lado,
e os pedaços de corpo estão por ali como tábuas sem uso.

Oh, os dedos com alianças perdidos na lama...
Os olhos que já não pestanejam com a poeira...
As bocas de recados perdidos...
O coração dado aos vermes, dentro dos densos uniformes...

Tanta é a morte
que só as almas formariam colunas,
as almas desprendidas... — e alcançariam as estrelas.

E as máquinas de entranhas abertas,
e os cadáveres ainda armados,
e a terra com suas flores ardendo,
e os rios espavoridos como tigres, com suas máculas,
e este mar desvairado de incêndios e náufragos,
e a lua alucinada de seu testemunho,
e nós e vós, imunes,
chorando, apenas, sobre fotografias,
— tudo é um natural armar e desarmar de andaimes
entre tempos vagarosos,
sonhando arquiteturas.

Cecília Meireles, in 'Mar Absoluto' 

 

 

"Carta a Meus Filhos: Os Fuzilamentos de Goya" - de Jorge de Sena

Francisco de Goya, "O  3 de Maio de 1808", 1814, Óleo sobre tela, Museu do Prado, em Madrid

Carta a Meus Filhos

Sobre os Fuzilamentos de Goya

Não sei, meus filhos, que mundo será o vosso.
É possível, porque tudo é possível, que ele seja
aquele que eu desejo para vós. Um simples mundo,
onde tudo tenha apenas a dificuldade que advém
de nada haver que não seja simples e natural.
Um mundo em que tudo seja permitido,
conforme o vosso gosto, o vosso anseio, o vosso prazer,
o vosso respeito pelos outros, o respeito dos outros por vós.
E é possível que não seja isto, nem seja sequer isto
o que vos interesse para viver. Tudo é possível,
ainda quando lutemos, como devemos lutar,
por quanto nos pareça a liberdade e a justiça,
ou mais que qualquer delas uma fiel
dedicação à honra de estar vivo.
Um dia sabereis que mais que a humanidade
não tem conta o número dos que pensaram assim,
amaram o seu semelhante no que ele tinha de único,
de insólito, de livre, de diferente,
e foram sacrificados, torturados, espancados,
e entregues hipocritamente à secular justiça,
para que os liquidasse «com suma piedade e sem efusão de sangue.»
Por serem fiéis a um deus, a um pensamento,
a uma pátria, uma esperança, ou muito apenas
à fome irrespondível que lhes roía as entranhas,
foram estripados, esfolados, queimados, gaseados,
e os seus corpos amontoados tão anonimamente quanto haviam vivido,
ou suas cinzas dispersas para que delas não restasse memória.
Às vezes, por serem de uma raça, outras
por serem de uma classe, expiaram todos
os erros que não tinham cometido ou não tinham consciência
de haver cometido. Mas também aconteceu
e acontece que não foram mortos.
Houve sempre infinitas maneiras de prevalecer,
aniquilando mansamente, delicadamente,
por ínvios caminhos quais se diz que são ínvios os de Deus.
Estes fuzilamentos, este heroísmo, este horror,
foi uma coisa, entre mil, acontecida em Espanha
há mais de um século e que por violenta e injusta
ofendeu o coração de um pintor chamado Goya,
que tinha um coração muito grande, cheio de fúria
e de amor. Mas isto nada é, meus filhos.
Apenas um episódio, um episódio breve,
nesta cadeia de que sois um elo (ou não sereis)
de ferro e de suor e sangue e algum sémen
a caminho do mundo que vos sonho.
Acreditai que nenhum mundo, que nada nem ninguém
vale mais que uma vida ou a alegria de tê-1a.
É isto o que mais importa - essa alegria.
Acreditai que a dignidade em que hão de falar-vos tanto
não é senão essa alegria que vem
de estar-se vivo e sabendo que nenhuma vez alguém
está menos vivo ou sofre ou morre
para que um só de vós resista um pouco mais
à morte que é de todos e virá.
Que tudo isto sabereis serenamente,
sem culpas a ninguém, sem terror, sem ambição,
e sobretudo sem desapego ou indiferença,
ardentemente espero. Tanto sangue,
tanta dor, tanta angústia, um dia
- mesmo que o tédio de um mundo feliz vos persiga -
não hão-de ser em vão. Confesso que
multas vezes, pensando no horror de tantos séculos
de opressão e crueldade, hesito por momentos
e uma amargura me submerge inconsolável.
Serão ou não em vão? Mas, mesmo que o não sejam,
quem ressuscita esses milhões, quem restitui
não só a vida, mas tudo o que lhes foi tirado?
Nenhum Juízo Final, meus filhos, pode dar-lhes
aquele instante que não viveram, aquele objecto
que não fruíram, aquele gesto
de amor, que fariam «amanhã».
E por isso, o mesmo mundo que criemos
nos cumpre tê-lo com cuidado, como coisa
que não é nossa, que nos é cedida
para a guardarmos respeitosamente
em memória do sangue que nos corre nas veias,
da nossa carne que foi outra, do amor que
outros não amaram porque lho roubaram.

Jorge de Sena

Francisco de Goya, "O 2 de Maio de 1808", 1814, em Madrid (La Carga de los Mamelucos)

Museu do Prado, em Madrid

"Os fuzilamentos do 3 de Maio", de Francisco Goya

Análise da Obra

O quadro "O  3 de Maio de 1808" foi pintado por Francisco de Goya em 1814, seis anos depois da dramática situação que narra, um dos momentos mais simbólicos da resistência espanhola à invasão das tropas de Napoleão Bonaparte. A obra é também conhecida como, "Os fuzilamentos da montanha do Príncipe Pio" ou "Os fuzilamentos de três de Maio", nome pelo qual é habitualmente conhecido.

A este quadro liga-se um outro, "O 2 de Maio de 1808" (pintado igualmente em 1814), que relata o primeiro episódio deste acontecimento, ocorrido na véspera, e presumivelmente presenciado pelo pintor. Na manhã de 2 de maio, o tenente de Napoleão, o general Murat, seguido por uma coluna de cavalaria, foi atacado por um grupo de populares armados, enquanto atravessava a Porta do Sol em Madrid. Tendo rapidamente controlado a situação, os franceses, como represália pelo levantamento popular, ordenaram o fuzilamento de inúmeros civis. Estes massacres tiveram lugar durante do dia seguinte, em vários pontos da cidade, junto ao Convento de Jesus, no Bom Retiro, na Casa de Campo, em Santa Bárbara, na Porta de Segóvia e na montanha do Príncipe Pio, entre outros locais.

Anteriormente à ocupação francesa Goya mantinha alguma simpatia pelas ideias liberais, embora fosse pintor da corte. Para este artista a chegada do exército de Napoleão e a consequente queda da monarquia pareceu representar, num primeiro momento, a possibilidade de introdução do liberalismo no seu país. No entanto, o carácter destruidor que esta ocupação assumiu, associada a sangrentos massacres, frustraram qualquer esperança de libertação.

Os horrores e sofrimentos provocados pelos confrontos entre espanhóis e franceses durante a guerra, aos quais Goya teve oportunidade de assistir de forma direta, foram temas que o atormentaram e contribuíram para que, próximo do final da sua carreira, se tornasse pessimista e cínico relativamente à capacidade de destruição e ao ódio que a espécie humana era capaz de alimentar.

Antecedendo estas duas pinturas, a série de gravuras "Desastres de la Guerra" (desastres da guerra), realizada sem 1810, condensa uma abordagem ainda mais acutilante e emotiva relativamente a este momento de loucura da humanidade.

Após a expulsão dos invasores franceses e restaurada a monarquia, Goya conseguiu que o novo governo regente lhe atribuísse um subsídio financeiro para a realização das duas telas comemorativas dos brutais massacres.

O quadro "O 3 de Maio de 1808" apresenta dimensões (266 por 406 centímetros), temática e estilo que lhe imprimem um impacto impressionante. A técnica utilizada, de caráter marcadamente expressionista, caracteriza-se por pinceladas rápidas e espontâneas, pela liberdade e violência do cromatismo e pelos barroquizantes e dramáticos contrastes de luz e sombra. Anunciada por alguns quadros anteriores, esta linguagem expressiva marcaria o derradeiro período criativo do pintor, aquele que mais profundamente o liga ao movimento romântico, do qual constituiu um dos mais brilhantes representantes.

Representando uma cena noturna, a composição apresenta dois setores, a coluna de soldados franceses, imersos numa sombra acentuada pela frieza das cores, que contrasta com o grupo de condenados, inundados por uma intensa luz definidora de flamejantes amarelos e vermelhos. O ponto focal do quadro é precisamente a camisa branca de um dos condenados.

Os quadros "O 2 de Maio de 1808" e "O 3 de Maio de 1808", executados a óleo, sobre tela, encontram-se expostos no Museu do Prado, em Madrid.

O 3 de maio de 1808. In Infopédia [Em linha]. Porto: Porto Editora

"Termo" - Poema de Miguel Torga

Peder Severin Krøyer, Midsummer Eve Bonfire on Skagen's Beach, 1906

Termo

Pára, imaginação!

Não há mais aventura, nem poesia.

A hora é de finados,

Com versos apagados

Na lareira onde a fogueira ardia.

Pára, é a lei.

Agora é só cansaço desiludido

E memória teimosa que entristece

O nada que acontece

E o muito acontecido.

Pára, porque findou

O tempo intemporal

Do amor e da graça concedida

A quem nele, no seu barro original,

Modela a própria vida.

Miguel Torga

Coimbra, 3 de Novembro de 1993

"Noite de S. João" - Poema de Alberto Caeiro

Cidade do Porto, Portugal (daqui)

Noite de S. João

Noite de S. João para além do muro do meu quintal. 

Do lado de cá, eu sem noite de S. João. 

Porque há S. João onde o festejam. 

Para mim há uma sombra de luz de fogueiras na noite, 

Um ruído de gargalhadas, os baques dos saltos. 

E um grito casual de quem não sabe que eu existo. 

Alberto Caeiro, in "Poemas Inconjuntos" 

Heterónimo de Fernando Pessoa

São João Baptista

São João do Porto

O São João do Porto é uma festa popular que tem lugar de 23 para 24 de Junho na cidade do Porto, em Portugal. Oficialmente, trata-se de uma festividade católica em que se celebra o nascimento de São João Batista, que se centra na missa e procissão de São João no dia 24 de Junho, mas a festa do S. João do Porto tem origem no solstício de Junho e inicialmente tratava-se de uma festa pagã. As pessoas festejavam a fertilidade, associada à alegria das colheitas e da abundância. Mais tarde, à semelhança do que sucedeu com o Entrudo, a Igreja cristianizou essa festa pagã e atribui-lhe o S. João como Padroeiro. 

Trata-se de uma festa cheia de tradições, das quais se destacam os alhos-porros, usados para bater nas cabeças das pessoas que passam, os ramos de cidreira (e de limonete), usados pelas mulheres para pôr na cara dos homens que passam, e o lançamento de balões de ar quente. (Daqui)

"As Rosas" - Poema de Machado de Assis

Peder Severin Krøyer, Roses, 1893 (Marie Krøyer seated in the deckchair in the garden

 by Mrs Bendsen's house.)

As Rosas

Rosas que desabrochais, 

Como os primeiros amores, 

Aos suaves resplendores 

Matinais; 

Em vão ostentais, em vão, 

A vossa graça suprema; 

De pouco vale; é o diadema 

Da ilusão. 

Em vão encheis de aroma o ar da tarde; 

Em vão abris o seio húmido e fresco 

Do sol nascente aos beijos amorosos; 

Em vão ornais a fronte à meiga virgem; 

Em vão, como penhor de puro afeto, 

Como um elo das almas, 

Passais do seio amante ao seio amante; 

Lá bate a hora infausta 

Em que é força morrer; as folhas lindas 

Perdem o viço da manhã primeira, 

As graças e o perfume. 

Rosas que sois então? – Restos perdidos, 

Folhas mortas que o tempo esquece, e espalha 

Brisa do inverno ou mão indiferente. 

Tal é o vosso destino, 

Ó filhas da natureza; 

Em que vos pese à beleza, 

Pereceis; 

Mas, não... Se a mão de um poeta 

Vos cultiva agora, ó rosas, 

Mais vivas, mais jubilosas, 

Floresceis. 

Machado de Assis, in 'Crisálidas'

Marie Krøyer, Self-portrait, 1889

"O maior pecado, depois do pecado, é a publicação do pecado."

Machado de Assis, 

in"Quincas Borba" (1891), capítulo XXXII