"Primavera" - Poema de Armindo Trevisan

Edgar Maxence (French Symbolist painter, 1871-1954),
"Vers l'Idéal" (Towards the Ideal), 1904.

 

Primavera


Por que será que penso nos teus lábios
quando avisto, em quintais, limões maduros?

Serão eles, dobrados sobre os muros,
Livreiros que esquadrinham alfarrábios?

Ou hão de perecer polidos cabos
Rumorejando sobre os ares puros?

Eu sempre penso nos limões: dourados,
Guardam-se incorruptíveis, e fechados. 

Armindo Trevisan, in 'A Dança do Fogo'.
Porto Alegre: Artes e Ofícios, 2001.

"Fotografia" - Poema de Adélia Prado

 

Franz von Stuck (German painter, sculptor, printmaker, and architect, 1863–1928), 

Portrait of a Lady with lace collar, 1928.

Fotografia


Quando a minha mãe posou
para este que foi seu único retrato,
mal consentiu em ter as têmporas curvas.
Contudo, há um desejo de beleza no seu rosto
que uma doutrina dura fez contido.
A boca é conspícua,
mas as orelhas se mostram.
O vestido é preto e fechado.
O temor de Deus circunda seu semblante,
como cadeia. Luminosa. Mas cadeia.
Seria um retrato triste
se não visse em seus olhos um jardim.
Não daqui. Mas jardim.


Adélia Prado, in 'O coração disparado', 1977.

 

 

Giovanni Boldini (Italian painter, 1842–1931), Lina Cavalieri, c. 1901. 

Oil on canvas. Private collection.

"Preto e branco são as cores da fotografia. Para mim, eles simbolizam as alternativas de esperança e desespero às quais a humanidade está sempre sujeita."

"Black and white are the colors of photography. To me they symbolize the alternatives of hope and despair to which mankind is forever subjected."

(Robert Frank)

 

 

Robert Frank in Mabou, September, 2014

 © Dodo Jin Ming (daqui)

Robert Frank, fotógrafo suíço, nascido em 1924, em Zurique, iniciou a sua aprendizagem da arte fotográfica naquela cidade (1940-1942). Em 1947 instalou-se em Nova Iorque onde colaborou como fotojornalista e fotógrafo de moda com revistas como a Life, Look e Harper's Bazaar. 

Entre 1948 e 1952 viajou pela América Latina e Europa, onde se viu confrontado com realidades sociais diferentes, que abordou nas suas imagens fotográficas de uma maneira subjetiva.
Uma bolsa da Fundação Guggenheim permitiu-lhe viajar pelos Estados Unidos da América, experiência de que resultou a sua obra The Americans (1958). Esta obra tinha prefácio do escritor Jack Kerouac, um ícone da Beat Generation americana, movimento que influenciou profundamente Robert Frank.
Depois de uma breve passagem pelo cinema experimental, entre os anos 60 e 70 dedica-se à fotomontagem realizada por uma técnica de fotografia instantânea (Polaroid).
Robert Frank, um dos mais influentes fotógrafos de sempre, morreu em 2019 em Inverness, Nova Escócia, Canadá, onde vivia há décadas com a sua mulher, June Leaf. Tinha 94 anos. (daqui)

"A voz das coisas" - Poema de Fiama Hasse Pais Brandão

Léon Spilliaert (Belgian symbolist painter and graphic artist, 1881 - 1946),
The Gust of Wind, 1904. Mu.ZEE - Kunstmuseum aan Zee. 

 

A voz das coisas

Só a rajada de vento
dá o som lírico
às pás do moinho.

Somente as coisas tocadas
pelo amor das outras
têm voz.

Fiama Hasse Pais Brandão, in "As Fábulas"
Edições Quasi, 2002.

 

[Poemas escritos por Fiama Hasse Pais Brandão durante os anos 90 integram "As Fábulas". Conjunto de poemas onde a autora mostra a sensibilidade que a tornou uma figura de destaque na literatura deste país. Referem-se a uma realidade visualmente assumida, a qual fica a oscilar entre um lugar campestre, rural, e outro que é citadino (há várias referências a Lisboa), fazendo com que haja em tais poemas um sentido especial.]

 

Léon Spilliaert
 
Léon Spilliaert, Self-Portrait, 1907, Metropolitan Museum of Art.

[León Spilliaert (Oostende, 1882 - Bruxelas, 1946) foi um pintor simbolista belga e um artista gráfico.
Seu estilo se caracterizava pelo tenebrismo e simplicidade das formas, junto à expressão amargurada e misteriosa dos personagens e paisagens presentes nas obras.]

 

 

 

Léon Spilliaert, The Window of-the Studio on the Visserskaai, 1908–09.

 

 

Léon Spilliaert, Untitled (3 dark figures)

 

 

Léon Spilliaert, Attente, c. 1902-03.

 

 

Léon Spilliaert, The Absinthe Drinker (La Buveuse d’Absinthe), 1907.

Léon Spilliaert, Dike at night. Reflected lights, 1908, Musee d 'Orsay.

 

 

Léon Spilliaert, Vertigo, 1908, Mu.ZEE - Kunstmuseum aan Zee.

 

 

Léon Spilliaert, Young man with red scarf, 1908.

 

"A grandeza de uma obra de arte está fundamentalmente no seu caráter ambíguo, que deixa ao espectador decidir sobre o seu significado."

(Theodor W. Adorno)

"Fábrica" - Poema de Joaquim Namorado

Beda Stjernschantz (Finnish symbolist painter, 1867–1910), 'Lasinpuhaltajat' 

('Sopradores de vidro'), 1894, K. H. Renlund art collection.

Fábrica


Oh, a poesia de tudo o que é geométrico
e perfeito,
a beleza nova dos maquinismos,
a força secreta das peças
sob o contacto frio e liso dos metais,
a segura confiança
do saber-se que é assim e assim exatamente,
sem lugar a enganos,
tudo matemático e harmónico,
sem nenhum imprevisto, sem nenhuma ventura
como na cabeça do engenheiro. 

Os operários têm nos músculos, de cor,
os movimentos dia a dia repetidos:
é como se fossem da sua natureza,
longe de toda a vontade e de todo o pensamento;
como se os metais fossem carne do corpo
e as veias se abrissem
àquela vida estranha, dura, implacável
das máquinas.

Os motores de tantos mil cavalos
alinhados e seguros de si,
seguros do seu poder;
as articulações subtis das bielas,
o enlace justo das engrenagens:
a fábrica, todo um imenso corpo de movimentos
concordantes, dependentes, necessários.


Joaquim Namorado, in 'Aviso à Navegação', 1941

 

 

"Aviso à Navegação": poemas, por Joaquim Namorado
Coimbra: Tip. Atlântica, 1941,
Novo Cancioneiro

 

Aviso à Navegação

 

Livro de Joaquim Namorado editado em 1941 pela coleção Novo Cancioneiro, órgão de afirmação, no início dos anos 40, de uma estética poética neorrealista. 

A primeira série poética da obra, intitulada "Navegação à Vela", contém o poema que dá título à obra, "Aviso à Navegação", que, na sequência de um conjunto de composições construídas a partir da oposição metafórica entre a partida para a aventura e a calma dos portos, se assume como voz de incitamento à revolta: "Aviso à navegação:/ Não espereis de mim a paz!// [...] Que na guerra/ só conheço dois destinos:/ ou vencer - ai dos vencidos! -/ ou morrer sob os escombros/ da luta que alevantei!". 

O "aviso" deixado pelo sujeito poético, anunciando o seu compromisso existencial, não é um gesto heroico individual: o poeta é um dos amotinados de uma tripulação que apresenta como "manifesto" a promessa de não desistir, mesmo que o preço seja a vida: "Que não adormeçam os músculos dos nossos braços na modorra das/ calmarias! Que não afrouxe este espírito de guerra que nos trouxe!/ E chegaremos./ Grandes escolhos?!... Grandes Medos?!... Grandes tormentos?!.../ Maior grandeza de sacrifício, maior força de nos excedermos, maior sangue/ frio na manobra! E chegaremos." ("Manifesto à Tripulação"). 

A segunda série, "A guerra e a paz", contém alguns dos poemas mais conhecidos no âmbito de uma primeira fase da estética neorrealista, como representativos de uma poesia de combate, perpassada pelo otimismo e confiança numa vitória que só dependerá da adesão do público aos desafios que lhe são lançados. Por isso as composições preferem o tom apelativo, propondo coordenadas de ação: "Abre as janelas para a rua" ("Manifesto"), "Aguça a tua foice!" ("Segador"), "Ó mocidade, vai para os estádios,/ vai para as oficinas cantando!" ("Exortação"); ao mesmo tempo que apresentam o sujeito enunciativo como modelo de resistência: ele é dos que ficam "até ao fim da batalha" ("Três Poemas de Heroísmo"), aquele que, derrotado, volta "Cem vezes ao combate" ("Vitória"), aquele que oferece em imolação o seu sangue e os seus ossos como "cimento duma outra humanidade" ("Prometeu"). Trata-se, acima de tudo, de contribuir para a criação de uma fraternidade unida num mesmo canto de revolta, de justiça e de liberdade, uma comunidade onde "Eu e tu" serão "carne do mesmo corpo,/ amor do mesmo amor,/ sangue do mesmo sacrifício!..." ("Cantar de Amigo").

As séries seguintes alargam o campo de consciencialização a outros domínios: o do operariado, em "Arquitetura"; o da África colonizada, em "África", enquanto "Romance de Federico" exprime o impacto que a Guerra Civil de Espanha e o assassinato do poeta Federico Garcia Lorca exerceram sobre o poeta. (daqui)

 

 

Joaquim Namorado

Joaquim Namorado

 

Licenciado em Ciências Matemáticas pela Universidade de Coimbra, desenvolveu atividade docente no ensino secundário e, após o 25 de abril, no ensino superior. 

Sendo um dos iniciadores e teóricos do movimento neorrealista, colaborou nos Cadernos da Juventude, nas revistas Altitude, Seara Nova, Vértice, nos jornais O Diabo e Sol Nascente e editou na coletânea de poesia Novo Cancioneiro a sua primeira obra poética, Aviso à Navegação.

Militante do Partido Comunista desde os anos 30, toda a ação de Joaquim Namorado, poética, ensaística, doutrinária ou cultural, se desenvolve a partir do reconhecimento do papel do intelectual na divulgação da cultura enquanto instrumento de consciencialização do povo, dotando-o de apetrechos para se elevar e, consequentemente, se libertar politicamente. O processo artístico que serviria melhor este processo de transformação ideológica encontra numa arte realista e de intenção social a forma mais apropriada para uma comunicabilidade imediata, contraposta a expressões estéticas consideradas de crise e de confusão de valores, como certos ismos da arte contemporânea, como o futurismo da geração de Orpheu ou o modernismo presencista. A "Arte para o Povo" não se confunde, porém, com uma "arte popular" que vê no folclore uma via de evasão, de pitoresco e de primitivismo, mas corresponde, sob o modelo de Lorca, a uma "poesia de resistência", "meio de conhecer e atingir as verdadeiras raízes do popular, o seu carácter autêntico, a sua conceção da vida e do mundo, os seus anseios e a sua luta" (Namorado, Vértice, n.° 48, 1947).

A criação poética, atenta à natureza e ao Homem, concebida como expressão natural e sincera de uma existência que não é necessário explicar, é para Joaquim Namorado assumida como "necessária", pelo vasto processo de renovação que integra, mas, sobretudo, por aí ressoarem vozes e verdades imanentes: a voz do mundo "ressoando no meu ouvido/ como num búzio um mar perdido" (cit. por PITA, A. P. in Vértice, II, 12.91). (daqui)

 

 

Akseli Gallen-Kallela (Finnish painter, 1865–1931), 'Rustic Life', 1887

 

Fábula

No tempo em que os animais falavam...
Liberdade!
Igualdade!
Fraternidade!

Joaquim Namorado

Akseli Gallen-Kallela, 'Woman Cooking Whitefish' ('Woman grilling fish'), 1884,
Finnish National Gallery

 

 
Milagre  

Onde o santo punha o pé nasciam rosas
... e o povo lamentava
que não fizesse o mesmo com as batatas.

Joaquim Namorado

 

"Soneto Azul" - Poema de Mário Quintana

Akseli Gallen-Kallela (Finnish painter, 1865–1931), 

'Mary Sewing on the Veranda of Kalela', 1897.

 

Soneto Azul 

 

Quando desperto mansamente agora
é toda um sonho azul minha janela
e nela ficam presos estes olhos,
amando-te no céu que faz lá fora.

Tu me sorris em tudo, misteriosa...
e a rua que – tal como outrora – desço,
a velha rua, eu mal a reconheço
em sua graça de menina-moça...

Riso na boca e vento no cabelo,
delas vem vindo um bando... E ao vê-lo
por um acaso olha-me a mais bela.

Sabes, eu amo-te a perder de vista...
e bebo, então, com uma saudade louca,
teu grande olhar azul nos olhos dela!


Mário Quintana,
"Baú de Espantos" – Editora Globo, RJ, 1988

 

 

Akseli Gallen-Kallela, 'Black Woodpecker', 1894.


"Não esquecer que as nuvens estão improvisando sempre, mas a culpa é do vento."

Mário Quintana, in "Sapato Florido"

"Dizendo adeus" - Poema de Lya Luft

Akseli Gallen-Kallela (Finnish painter, 1865–1931), "Life and Death", 1884.

Dizendo adeus


Estou sempre dando adeus:
também ao desencontro e ao
desencanto.

Estou sempre me despedindo
do ponto de partida que me lança de si,
do porto de chegada que nunca é
aqui.

Estou sempre dizendo adeus:
até a Deus,
para o reencontrar em outra esquina
de adeuses.

Estarei sempre de partida,
até o momento de sermos deuses:
quando me fizeres dar adeus à solidão
e à sombra.

Lya Luft, em "Para não dizer adeus", 2005.

 

"São Jorge na Penumbra" - Poema de Carlos Drummond de Andrade

 Raphael (Italian painter and architect of the High Renaissance, 1483 – 1520),
Saint George and the Dragon, 1505, National Gallery of Art, Washington, D.C.



São Jorge na Penumbra 

 

São Jorge imenso espera o cavalo
que ainda não foi arreado,
ainda não foi raspado,
ainda não foi escolhido
entre os vinte melhores da redondeza.

São Jorge fora de altar
(não cabe nele)
espera o dia da procissão
em canto discreto da Matriz.

São Jorge é meu espanto.
Ainda não vi santo montado.
Santos naturalmente andam a pé,
atravessam rios a vau e a pé,
fazem milagres a pé.
Usam sandálias
de luz e poeira como os deuses
da gravura.
São Jorge usa botas como os fazendeiros
de minha terra.

E não é fazendeiro. São botas de guerra.
São Jorge mata o dragão. Mata os inimigos
de Deus na bacia do Rio Doce?
Fica longamente na penumbra
esperando cavalo e procissão
só um dia no ano: ele é São Jorge
mesmo.

No mais, uma espera colossal.

 

Carlos Drummond de Andrade, Boitempo II. 4.ed.
Rio de Janeiro: Record, 1998, p. 102.

Gustave Moreau (French artist and an important figure in the Symbolist movement,

 1826–1898), Saint George and the Dragon, c. 1889-1890, National Gallery.

 

 
S. Jorge e o Dragão

 

A história mais conhecida de S. Jorge (Jorge da Capadócia) tem a ver com a morte de um dragão terrível que existia em Silene, na Líbia. Para acalmar a fúria do dragão, os habitantes ofereciam ao monstro duas ovelhas por dia. A certa altura, o dragão tornou-se mais exigente e reclamou um sacrifício humano. A escolha aleatória recaiu sobre a filha única do rei da Líbia.
Nesse momento trágico, S. Jorge apareceu, oferecendo-se para lutar com o dragão e libertar a cidade daquele terrível jugo. Montou o seu cavalo e com uma lança feriu o dragão. Trazendo-o preso para a cidade, matou-o perante todos os habitantes, depois de exigir em troca a sua conversão ao cristianismo.

Existe outra versão da lenda, reclamada pelos habitantes de S. Jorge, perto de Aljubarrota, que conta que S. Jorge era um oficial romano que estava aquartelado naquela região. Tinha por costume mandar os seus soldados dar de beber aos cavalos na "Fonte dos Vales", no ribeiro da mata. Porém, no momento em que os cavalos bebiam, por vezes surgia da fonte um dragão que os devorava. Os soldados, com medo de serem também mortos, recusavam-se a lá voltar. Para acabar com este martírio, S. Jorge dirigiu-se à fonte, deu de beber ao seu cavalo e quando o dragão surgiu, matou-o com a sua lança. (daqui)

 

Gustave Moreau, Self-portrait, 1850. Oil on canvas, 41 x 32 cm,
Musée National Gustave-Moreau, Paris.

Gustave Moreau

 

Gustave Moreau, pintor francês, filho de um arquiteto nasceu no ano de 1826, em Paris. Estudou na École de Beaux Arts da mesma cidade, tendo sido aluno de Picot e de Théodore Chassériau. 

Lecionou posteriormente na dita escola, entre 1892 e 1898, devido à morte do seu amigo Élie Delaunay, procurando enquanto mestre incentivar a originalidade dos alunos. Entre estes últimos contam-se figuras tão relevantes como Georges Rouault e Henri Matisse. 

O seu estilo é marcado pelo misticismo, por uma preferência por temas relacionados com a Antiguidade e por obras renascentistas italianas (que não é estranha à sua estadia em Itália enquanto estudante, mais propriamente na cidade de Roma, entre 1857 e 1859 e na companhia de Degas e Puvis de Chavannes), temas estes dotados de potencial emocional, expressivo e narrativo. É também patente na sua obra a influência do tratamento de paisagem de Leonardo da Vinci e das figuras de Ingres. 

A envolvência presente nos seus quadros, conseguida através da ocupação intensa da superfície por técnicas pictóricas tão variadas como o empastamento e o arranhar, aliada à liberdade imaginativa que proporcionavam temas como Hércules e a Hidra (1876), Édipo e a Esfinge (1864) e Salomé (c. 1876). 

As suas obras foram expostas em eventos como o Salon de 1876 e, em 1886, na Goupil Gallery, em Paris. Esta foi a última exposição dos seus trabalhos, onde apresentou sessenta e cinco ilustrações das fábulas de La Fontaine. 

Pela fuga aos temas quotidianos preferidos pelos impressionistas, por exemplo, e pelo intenso apelo à imaginação, à emoção e aos sentidos presente nas suas pinturas, tornou-se uma das figuras de inspiração para os simbolistas, juntamente com Mallarmé e Odilon Redon, chegando inclusivamente a fazer parte de alguns grupos desta tendência enquanto membro honorífico.

Grande parte do acervo das suas obras e dos objetos que lhe pertenceram encontram-se no Musée Gustave Moreau, em Paris. (daqui)

 

"Pálida e Loira" - Poema de António Feijó

Julio Romero de Torres (Pintor simbolista espanhol, 1874–1930),

 "Mira qué bonita era", 1895.

 

Pálida e Loira

 

Morreu. Deitada no caixão estreito,
Pálida e loira, muito loira e fria,
O seu lábio tristíssimo sorria
Como num sonho virginal desfeito.

Lírio que murcha ao despontar do dia,
Foi descansar no derradeiro leito,
Às mãos de neve erguidas, sobre o peito,
Pálida e loira, muito loira e fria…

Tinha a cor da rainha das baladas
E das monjas antigas maceradas,
No pequenino esquife em que dormia…

Levou-a a morte em sua garra adunca!
E eu nunca mais pude esquecê-la, nunca!
Pálida e loira, muito loira e fria.

António Feijó, in 'Líricas e Bucólicas', 1884.

 

Capa da primeira edição de 'Líricas e Bucólicas' (1884)
 de António Feijó (daqui)

 

Líricas e Bucólicas

 

Coletânea de poesias (escritas entre 1876 e 1883), de António Feijó, dividida em dois livros, "Líricas" e "Bucólicas", reveladora de um lirismo mais sóbrio e depurado, afastado dos temas filosóficos e do tom épico característicos das "Transfigurações", de 1882, e próximo da estética parnasiana: "alucinado espraio as minhas fantasias/ na indolência da rima e no embalar do metro" ("Eterno tema"). 

 

As composições de "Líricas" cantam variações sobre o "Eterno tema", o amor e a mulher: "Só para te cantar que fale a Apoteose!/ vibre no espaço a Lira o canto sobre-humano!/ que a Musa se renove e em tal metamorfose/ no verso possa unir o místico ao profano!". 

Na série "Flores de carne", o poeta apresenta um friso de figuras femininas - Laïs, Lésbia, Santa Teresa de Jesus e Rigolboche -, incarnações diversas do mesmo amor erótico. A expressão lírica do sentimento amoroso surge, não raras vezes, associada a motivos fúnebres (tal como em "Rosa branca", "Em frente do esquife", "Cadências tristes", "No cemitério" e "Pálida e loira", um dos mais célebres sonetos do autor), mas sempre com uma nota de distanciamento e até de ironia (como em "Canção da decadência"). 

 

Em "Bucólicas", Feijó opera uma renovação da veia bucólica da poesia portuguesa, anunciada desde a "Sinfonia de abertura" ("- ouvi estas canções que a fantasia errante/ colheu, para formar um virginal tesoiro,/ pelas searas sem fim, pelas paisagens largas,/ como quem arquiteta o seu castelo d'oiro/ para fugir da vida às tentações amargas...") e patente em composições como "Tintas da aurora", "Elegia rústica" ou "Árvore amiga". 

Do ponto de vista formal, a coletânea destaca-se por uma grande variedade métrica e estrófica. (daqui)

 

"Tu estás aqui " - Poema de Ruy Belo

Vilhelm Hammershøi (Danish painter, 1864–1916), Interior in Strandgade, Sunlight on the Floor,
1901. National Gallery of Denmark (Statens Museum for Kunst)

 

Tu estás aqui


Estás aqui comigo à sombra do sol.
Escrevo e oiço certos ruídos domésticos
e a luz chega-me humildemente pela janela
e dói-me um braço e sei que sou o pior aspeto do que sou.

Estás aqui comigo e sou sumamente quotidiano
e tudo o que faço ou sinto, como que me veste de um pijama
que uso para ser também, isto, este bicho de hábitos,
manias, segredos defeitos, quase todos desfeitos.

Quando depois lá fora na vida profissional ou social, só sou um nome e sabem o que sei,
o que faço, ou então sou eu que julgo que o sabem,
e sou amável, seleciono cuidadosamente os gestos e escolho as palavras
e sei que, afinal, posso ser isso, talvez porque aqui sentado dentro de casa sou outra coisa,
esta coisa que escreve e tem uma nódoa na camisa e só tem de exterior a manifestação
desta dor neste braço que afeta tudo o que faço, bem entendido o que faço com este braço.

Estás aqui comigo e à volta são as paredes
e posso passar de sala para sala a pensar noutra coisa
e dizer aqui é a sala de estar aqui é o quarto, aqui é a casa de banho,
e no fundo escolher cada uma das divisões segundo o que tenho a fazer. 

Estás aqui comigo e sei que só sou este corpo castigado
passado nas pernas de sala em sala.
Sou só estas salas, estas paredes, esta profunda vergonha de o ser
e não ser apenas a outra coisa, essa coisa que sou na estrada
onde não estou à sombra do sol.
Estás aqui e sinto-me absolutamente indefeso diante dos dias. 

Que ninguém conheça este meu nome, este meu verdadeiro nome
depois, talvez, encoberto noutro nome embora no mesmo nome
este nome de terra de dor de paredes este nome doméstico.
Afinal fui isto nada mais do que isto as outras coisas que fiz
fi-las para não ser isto ou dissimular isto a que somente não chamo merda,
porque ao nascer me deram outro nome que não merda,
e em princípio o nome de cada coisa serve para distinguir
umas coisas das outras coisas.

Estás aqui comigo e tenho pena acredita de ser só isto pena até mesmo de dizer
que sou só isto como se fosse também outra coisa uma coisa para além disto que não isto.
Estás aqui comigo deixa-te estar aqui comigo.
É das tuas mãos que saem alguns destes ruídos domésticos,
mas até nos teus gestos domésticos tu és mais que os teus gestos domésticos,
tu és em cada gesto todos os teus gestos
e neste momento eu sei eu sinto ao certo o que significam
certas palavras como a palavra paz. 

Deixa-te estar aqui e perdoa que o tempo
te fique na face na forma de rugas.
Perdoa pagares tão alto preço por estar aqui.
Perdoa eu revelar que há muito pagas tão alto preço por estar aqui.
Prossegue nos gestos não pares procura permanecer sempre presente.

Deixa docemente desvanecerem-se um por um os dias
e eu saber que aqui estás de maneira a poder dizer
sou isto é certo mas sei que tu estás aqui.

Ruy Belo, in 'Toda a Terra';
in 'Todos os Poemas',
Assírio & Alvim, 2000

Ruy Belo - "Tu estás aqui"

Voz: Luís Miguel Cintra

 

"Hino à Morte" - Poema de António Feijó

 

Hugo Simberg (Finnish symbolist painter, 1873–1917), The Garden of Death, 1896

(Fresco), Tampere Cathedral

 

 

Hino à Morte 

 

Tenho às vezes sentido o chocar dos teus ossos
E o vento da tua asa os meus lábios roçar;
Mas da tua presença o rasto de destroços
Nunca de susto fez meu coração parar.

Nunca, espanto ou receio, ao meu ânimo trouxe
Esse aspeto de horror com que tudo apavoras,
Nas tuas mãos erguendo a inexorável Fouce
E a ampulheta em que vais pulverizando as horas.

Sei que andas, como sombra, a seguir os meus passos,
Tão próxima de mim que te respiro o alento,
— Prestes como uma noiva a estreitar-me em teus braços,
E a arrastar-me contigo ao teu leito sangrento...

Que importa? Do teu seio a noite que amedronta,
Para mim não é mais que o refluxo da Vida,
Noite da noite, donde esplêndida desponta
A aurora espiritual da Terra Prometida.

A Alma volta à Luz; sai desse hiato de sombra,
Como o inseto da larva. A Morte que me aterra,
Essa que tanta vez o meu ânimo assombra,
Não és tu, com a paz do teu oásis te terra!

Quantas vezes, na angústia, o sofrimento invoca
O teu suave dormir sob a leiva de flores!...
A Morte, que sem dó me tortura e sufoca,
É outra, — essa que em nós cava sulcos de dores.

Morte que, sem piedade, uma a uma arrebata,
Como um tufão que passa, as nossas afeições,
E, deixando-nos sós, lentamente nos mata,
Abrindo-lhes a cova em nossos corações.

Parêntesis de sombra entre o poente e a alvorada,
Morrer é ter vivido, é renascer... O horror
Da Morte, o horror que gera a consciência do Nada,
Quem vive é que lhe sente o aflitivo travor.

Sangue do nosso sangue, almas que estremecemos,
Seres que um grande afeto à nossa vida enlaça,
— Somos nós que a sua morte implacável sofremos,
É em nós, é em nós que a sua morte se passa!

Só então, da tua asa a sombra formidável,
Anjo negro da Morte! aos meus olhos parece
Uma noite sem fim, uma noite insondável,
Noite de soledade em que nunca amanhece...

Só então, sucumbindo à dor que me fulmina,
A mim mesmo pergunto, entre espanto e receio,
Se a tua asa não é dum Anjo de rapina,
Se eu poderei em paz repoisar no teu seio!

Inflexível e cego, o poder do teu ceptro
Só então me desvaira em cruel agonia,
Ao ver com que presteza ele faz um espectro
De alguém, que há pouco ainda, ao pé de nós sorria.

Mas se nessa tortura, exausto o pensamento,
Para ti, face a face, ergo os olhos contrito,
Passa diante de mim, como um deslumbramento
Constelando o teu manto, a visão do Infinito.

E de novo, ao sair dessa angústia demente,
Sinto bem que tu és, para toda a amargura,
A Eutanásia serena em cujo olhar clemente
Arde a chama em que toda a escória se depura.

É pela tua mão, feito um rasgão na treva,
Que a Alma se liberta, e de esplendor vestida
— Borboleta celeste, ébria de Deus, — se eleva
Para a luz imortal, Luz do Amor, Luz da Vida! 

António Feijó (1859-1917), in 'Sol de Inverno'

 

 

"Sol de Inverno" de António Feijó, Edições Vercial

 "Sol de Inverno", volume póstumo que reúne as últimas poesias de António Feijó, com um prefácio, de grande interesse crítico e biográfico, de Luís de Magalhães, um texto crítico de Alberto de Oliveira e ainda várias apreciações sobre as coletâneas Ilha dos Amores e Cancioneiro Chinês, recolhidas da imprensa. Nesta obra de síntese, dedicada à mulher do autor, evidenciam-se as qualidades do lirismo depurado de Feijó ("Díptico: eu e tu"), onde predominam os motivos melancólicos e outonais ("Cabelos brancos"), os temas do exílio ("Súplica ao vento") e da morte ("Entre pinheiros e ciprestes"). (daqui)

 

"As Almas" - Poema de Teixeira de Pascoaes

Alfred Le Petit (Peintre, caricaturiste et photographe français, 1841–1909),
'Autoportrait', 1893, Localisation inconnue.

 

 
As Almas


Vejo passar, na infinda solidão,
Vultos de almas, figuras de emoção;
Os poetas do silêncio que não cantam,
Os doidos que, de súbito, se espantam,
Os que gelam, ao ver o luar nascente,
Os que fitam a mesma estrela eternamente;
Os perdidos da sorte,
Os que chamam, gritando, pela morte!
Os que andam, sem saber, pelos caminhos,
Os que de noite vão, sempre a falar sozinhos,
Os que vivem casados com a dor
E a esconde, ciumentos;
Os trágicos do Amor,
Os que sentem astrais deslumbramentos,
Os que matam e cantam por destino:
O salteador noturno, o poeta que é divino.
Os tristes vagabundos
Em perpétua e fantástica viagem...
Os que amam a paisagem
E têm nos olhos a amplidão dos mundos...

Vultos de almas, figuras de emoção.
Errantes, na infinita solidão.


Teixeira de Pascoaes, in 'Vida Etérea', 1906

 

"Extravio" - Poema de Ferreira Gullar

Arnold Böcklin (Swiss symbolist painter, 1827–1901),  

Self-portrait with Death playing the fiddle, 1872, Alte Nationalgalerie 

Extravio 

 

 

Onde começo, onde acabo,
se o que está fora está dentro
como num círculo cuja
periferia é o centro?

Estou disperso nas coisas,
nas pessoas, nas gavetas:
de repente encontro ali
partes de mim: risos, vértebras.

Estou desfeito nas nuvens:
vejo do alto a cidade
e em cada esquina um menino,
que sou eu mesmo, a chamar-me.

Extraviei-me no tempo.
Onde estarão meus pedaços?
Muito se foi com os amigos
que já não ouvem nem falam.

Estou disperso nos vivos,
em seu corpo, em seu olfato,
onde durmo feito aroma
ou voz que também não fala.

Ah, ser somente o presente:
esta manhã, esta sala. 


Ferreira Gullar, in Muitas vozes: poemas,
José Olympio Editora – 2ª edição, 1999

 

Arnold Böcklin, Self-portrait with the wine glass, 1885,  

Alte Nationalgalerie

 

 

Fecho a minha porta.
Silencioso vou deitar-me.
Prazer de estar só... 

Matsuo Bashō (1644-1694)
Tradução de Manuel Bandeira