"Ode à Esperança" - Poema de Filinto Elísio

Banksy, Girl with Balloon - Original mural on Waterloo Bridge in South Bank, 2004.
Girl with Balloon (also, Balloon Girl or Girl and Balloon) is a series of stencil murals

 around London by the graffiti artist Banksy, started in 2002. 

[Girl with Balloon é um grafite feito com estêncil localizado em Londres. O mural exibe uma garota de vestido preto que procura por um balão vermelho em forma de coração que voa para longe. À direita da menina, está escrito there is always hope (em português: "sempre há esperança"). A inscrição e o balão estão à mesma altura. O trabalho é composto por três cores: vermelho, preto e branco.]

Ode à Esperança

1
Vem, vem, doce Esperança, único alívio
Desta alma lastimada;
Mostra, na c'roa, a flor da Amendoeira,
Que ao Lavrador previsto,
Da Primavera próxima dá novas.

2
Vem, vem, doce Esperança, tu que animas
Na escravidão pesada
O aflito prisioneiro: por ti canta,
Condenado ao trabalho,
Ao som da braga, que nos pés lhe soa,

3
Por ti veleja o pano da tormenta
O marcante afoito:
No mar largo, ao saudoso passageiro,
(Da esposa e dos filhinhos)
Tu lhe pintas a terra pelas nuvens.

4
Tu consolas no leito o lasso enfermo,
C'os ares da melhora,
Tu dás vivos clarões ao moribundo,
Nos já vidrados olhos,
Dos horizontes da Celeste Pátria.

5
Eu já fui de teus dons também mimoso;
A vida largos anos
Rebatida entre acerbos infortúnios
A sustentei robusta
Com os pomos de teus vergéis viçosos.

6
Mas agora, que Márcia vive ausente;
Que não me alenta esquiva
C'o brando mimo dum de seus agrados,
Que farei infeliz,
Se tu, meiga Esperança, não me acodes?

7
Ai! que um de seus agrados é mais doce
Que o néctar saboroso;
É mais doce que os beijos requintados
Da namorada Vénus,
A que o Grego põe preço tão subido.

8
Vem, vem, doce Esperança, que eu prometo
Ornar os teus altares
Co'a viçosa verbena, que te agrada,
Co'a linda flor, que agora,
Enfeita os troncos, que te são sagrados.


Filinto Elísio, in "Odes"

 

 

"Ano Novo" - Poema de Ferreira Gullar

 

Charles Conder (English-born painter, lithographer and designer, 1868-1909),
Watching the Fireworks at Saint-Cloud, France, c. 1893,
Sheffield Galleries and Museums Trust.


Ano Novo


Meia-noite. Fim
de um ano, início
de outro. Olho o céu:
nenhum indício.

Olho o céu:
o abismo vence o
olhar. O mesmo
espantoso silêncio
da Via-Láctea feito
um ectoplasma
sobre a minha cabeça
nada ali indica
que um ano novo começa.

E não começa
nem no céu nem no chão
do planeta:
começa no coração.

Começa como a esperança
de vida melhor
que entre os astros
não se escuta
nem se vê
nem pode haver:
que isso é coisa de homem
esse bicho
estelar
que sonha
(e luta).


Ferreira Gullar, in "Toda poesia",
Companhia das Letras, 2021.

 

 

Charles Conder, Night in the Garden in Spain, c. 1900,

 Art Gallery of Western Australia.


"Quem acende uma luz é o primeiro a beneficiar-se da claridade."

 

(G. K. Chesterton)

 

 

"Natal… Natais" - Poema de João Cabral do Nascimento

 

Hans Burgkmair the Elder (German painter and woodcut printmaker, 1473–1531),

 Die Geburt Christi (Nativity of Jesus), 1511.


Natal… Natais…

 

Tu, grande Ser,
Voltas pequeno ao mundo.
Não deixas nunca de nascer!
Com braços, pernas, mãos, olhos, semblante,
Voz de menino.
Humano o corpo e o coração divino.

Natal… Natais…
Tantos vieram e se foram!
Quantos ainda verei mais?

Em cada estrela sempre pomos a esperança
De que ela seja a mensageira,
E a sua chama azul encha de luz a terra inteira.
Em cada vela acesa, em cada casa, pressentimos
Como um anúncio de alvorada;
E em cada árvore da estrada
Um ramo de oliveira;
E em cada gruta o abrigo da criança omnipotente;

E no fragor do vento falas de anjos, e no vácuo
De silêncio da noite
Estriada de súbitos clarões,
A presença de Alguém cuja forma é precária
E a sua essência, eterna.

Natal… Natais…
Tantos vieram e se foram!
Quantos ainda verei mais?


João Cabral do Nascimento,

in "Cancioneiro", 1943.

"Vivo na esperança de um gesto" - Poema de Reinaldo Ferreira

 

Raoul Dufy (French Fauvist painter, 1877-1953), Les trois ombrelles (The Three Umbrellas), 1906.

 

 

Vivo na esperança de um gesto


Vivo na esperança de um gesto
Que hás de fazer.
Gesto, claro, é maneira de dizer,
Pois o que importa é o resto
Que esse gesto tem de ter.
Tem que ter sinceridade
Sem parecer premeditado;
E tem que ser convincente,
Mas de maneira diferente
Do discurso preparado.
Sem me alargar, não resisto
À tentação de dizer
Que o gesto não é só isto...
Quando tu, em confusão,
Sabendo que estou à espera,
Me mostras que só hesitas
Por não saber começar,
Que tentações de falar!
Porque enfim, como adivinhas,
Esse gesto eu sei qual é,
Mas se o disser, já não é...


Reinaldo Ferreira, 

in 'Um Voo Cego a Nada'

 

"A Esperança" - Poema de Augusto dos Anjos

Alessandro Turchi (Italian painter, 1578–1649), Allegory of Hope, c. 1617-18.



A Esperança


A Esperança não murcha, ela não cansa,
Também como ela não sucumbe a Crença.
Vão-se sonhos nas asas da Descrença,
Voltam sonhos nas asas da Esperança.

Muita gente infeliz assim não pensa;
No entanto o mundo é uma ilusão completa,
E não é a Esperança por sentença
Este laço que ao mundo nos manieta?

Mocidade, portanto, ergue o teu grito,
Sirva-te a crença de fanal bendito,
Salve-te a glória no futuro – avança!

E eu, que vivo atrelado ao desalento,
Também espero o fim do meu tormento,
Na voz da morte a me bradar: descansa!


Augusto dos Anjos, "Eu e Outras Poesias".
Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1998. 

 

"Aspiração" - Poema de Machado de Assis

 Wilhelm Bendz (Danish painter, 1804–1832),

A Young Artist (Ditlev Blunck) Examining a Sketch in a Mirror, 1826,
National Gallery of Denmark


Aspiração 

A F. X. DE NOVAIS (1862)

Qu'aperçois-tu, mon âme? Au fond, n'est-ce pas Dieu?
Tu vas à lui.

V. DE LAPRADE

Sinto que há na minh'alma um vácuo imenso e fundo,
E desta meia morte o frio olhar do mundo
Não vê o que há de triste e de real em mim;
Muita vez, ó poeta, a dor é casta assim;
Refolha-se, não diz no rosto o que ela é,
E nem que o revelasse, o vulgo não põe fé
Nas tristes comoções da verde mocidade,
E responde sorrindo à cruel realidade.

Não assim tu, ó alma, ó coração amigo;
Nu, como a consciência, abro-me aqui contigo;
Tu que corres, como eu, na vereda fatal
Em busca do mesmo alvo e do mesmo ideal.
Deixemos que ela ria, a turba ignara e vã;
Nossas almas a sós, como irmã junto a irmã,
Em santa comunhão, sem cárcere, sem véus.
Conversarão no espaço e mais perto de Deus.

Deus quando abre ao poeta as portas desta vida
Não lhe depara o gozo e a glória apetecida;
Tarja de luto a folha em que lhe deixa escritas
A suprema saudade e as dores infinitas.
Alma errante e perdida em um fatal desterro,
Neste primeiro e fundo e triste limbo do erro,
Chora a pátria celeste, o foco, o centro, a luz,
Onde o anjo da morte, ou da vida, o conduz
No dia festival do grande livramento;
Antes disso, a tristeza, o sombrio tormento,
O torvo azar, e mais, a torva solidão, 

 Embaciam-lhe na alma o espelho da ilusão.

O poeta chora e vê perderem-se esfolhadas
Da verde primavera as flores tão cuidadas;
Rasga, como Jesus, no caminho das dores,
Os lassos pés; o sangue umedece-lhe as flores
Mortas ali, — e a fé, a fé mãe, a fé santa,
Ao vento impuro e mau que as ilusões quebranta,
Na alma que ali se vai muitas vezes vacila...

Oh! feliz o que pode, alma alegre e tranquila,
A esperança vivaz e as ilusões floridas,
Atravessar cantando as longas avenidas
Que levam do presente ao secreto porvir!
Feliz esse! Esse pode amar, gozar, sentir,
Viver enfim! A vida é o amor, é a paz,
É a doce ilusão e a esperança vivaz;
Não esta do poeta, esta que Deus nos pôs
Nem como inútil fardo, antes como um algoz.

O poeta busca sempre o almejado ideal...
Triste e funesto afã! tentativa fatal!
Nesta sede de luz, nesta fome de amor,
O poeta corre à estrela, à brisa, ao mar, à flor;
Quer ver-lhe a luz na luz da estrela peregrina,
Quer–lhe o cheiro aspirar na rosa da campina,
Na brisa o doce alento, a voz na voz do mar,
Ó inútil esforço! Ó ímprobo lutar!
Em vez da luz, do aroma, ou do alento ou da voz,
Acha-se o nada, o torvo, o impassível algoz!

Onde te escondes, pois, ideal da ventura?
Em que canto da terra, em que funda espessura
Foste esconder, ó fada, o teu esquivo lar?
Dos homens esquecido, em ermo recatado,
Que voz do coração, que lágrima, que brado
Do sono em que ora estás te virá despertar?

A esta sede de amar só Deus conhece a fonte?
Jorra ele ainda além deste fundo horizonte
Que a mente não calcula, e onde se perde o olhar?
Que asas nos deste, ó Deus, para transpor o espaço?
Ao ermo do desterro inda nos prende um laço:
Onde encontrar a mão que o venha desatar?

Creio que só em ti há essa luz secreta,
Essa estrela polar dos sonhos do poeta,
Esse alvo, esse termo, esse mago ideal;
Fonte de todo o ser e fonte da verdade,
Nós vamos para ti, e em tua imensidade
É que havemos de ter o repouso final.

É triste quando a vida, erma, como esta, passa;
E quando nos impele o sopro da desgraça
Longe de ti, ó Deus, e distante do amor!
Mas guardemos, poeta, a melhor esperança:
Sucederá a glória à salutar provança:
O que a terra não deu, dar-nos-á o Senhor! 

Machado de Assis, in 'Crisálidas',

Rio de Janeiro: B. L. Garnier, 1864.

 

Ditlev Blunck (Danish-German painter associated with the Danish Golden Age, 1798–1853),
Danish Artists in the Roman Inn La Gensola, 1837.


"Ter uma arte é viver em função de alguma coisa que excede o acontecer da vida. A arte exige corpo e alma, pensamento e emoção, liberdade e obsessão."

Inês Pedrosa, Expresso

 

"Poema da minha esperança" - Sebastião da Gama

Jules Migonney (French painter and engraver, 1876-1929), Portrait of the painter, Jean Puy 

(French Fauvist artist, 1876-1960), 1910

Poema da minha esperança 

Que bom ter o relógio adiantado!...
A gente assim, por saber
que tem sempre tempo a mais,
não se rala nem se apressa.

O meu sorriso de troça,
Amigos!,
quando vejo o meu relógio
com três quartos de hora a mais!...

Tic-tac... Tic-tac...
(Lá pensa ele
que é já o fim dos meus dias.)

Tic-tac...
(Como eu rio, cá p'ra dentro,
de esta coisa divertida:
ele a julgar que é já o resto
e eu a saber que tenho sempre mais
três quartos de hora de vida.) 

Sebastião da Gama, in Serra-Mãe (1945)

 

 

Sebastião da Gama

Sebastião da Gama (Vila Nogueira de Azeitão, 10 de abril de 1924 — Lisboa, 7 de fevereiro de 1952), licenciado em Filologia Românica pela Universidade de Lisboa, exerceu a função de professor do ensino técnico. Morreu com 27 anos, vítima de uma tuberculose que se declarara desde criança.

 

Colaborador de Távola Redonda (50-54), estreou-se em volume em 1945 com Serra-Mãe, exercendo para os que procuravam, como David Mourão-Ferreira ou António Manuel Couto Viana, no fim da década de 40 e início da década de 50, um exemplo de superação da oposição entre necessidade de empenhamento versus liberdade de criação em que se debatia a poesia, marcada ainda pela polémica entre presencistas e neorrealistas. Em carta a David Mourão-Ferreira, em 1946, defende que "a arte é a vida, nos seus matizes múltiplos, posta em beleza, não a política, não a religião, não a moral postas em beleza; que o artista verdadeiro apenas responde às vozes que chamam dentro de si - o que não quer dizer que essas vozes não tenham sido caldeadas em muitas vozes exteriores." (cf. MOURÃO-FERREIRA, David - 20 Poetas Contemporâneos, 1980, p. 232).

 

Poeta marcado pela consciência de que a sua vida seria efémera, a poesia de Sebastião da Gama descreve uma lúcida aprendizagem da morte, não como desistência e desalento, mas como confiança na vida ("Foi necessário ter perdido tudo/ para chegar à perfeição enorme/ de não poder perder a confiança" in Itinerário Paralelo), manifestada na exaltação da Natureza e de Deus. 

Herdeiro de Régio na expressão da inquietação religiosa, resolve o maniqueísmo do fundador da Presença, num apaziguamento que nasce da entrega do sujeito poético a uma Natureza que é, na tradição franciscana, um "sinal da Beleza de Deus incarnada nas coisas" (Belchior, pref. a Gama, 1983, p. 26). (Daqui)

 

O primeiro livro publicado por Sebastião da Gama, Serra-Mãe, reúne uma série de composições que tendem para a regularidade métrica, inspiradas pela permanência no Portinho da Arrábida, local propiciador do recolhimento poético e da celebração mística da Natureza. O próprio título sugere, como chave de leitura, a fusão do humano com a Natureza, a fraternidade de todos os seres franciscanamente abrigados pela Natureza-mãe, e aponta a serra como regaço maternal onde o poeta se refugia para recobrar tranquilidade e confiança. A par dessa linha de leitura composta pela exaltação da religiosidade da Natureza, desenvolvem-se composições onde a temática da morte iminente é sentida não sob o signo da desesperança, mas como o desfecho precoce de uma vida plenamente vivida ("Que a Morte, quando vier,/ não venha matar um morto./ Quero morrer em pujança./ Quero que todos lamentem / a ceifa de uma esperança", de "Cortina"; "De minha vida não sei/ senão que sou feliz", de "Claridade"). Reformulando a tradição lírica de Régio e de Sá-Carneiro, esta obra inaugural acolhe ainda poemas marcados pelo diálogo com Deus, onde a inquietação religiosa exprime, por vezes, a revolta e o pânico de perder a dádiva da presença divina ("não me roubes a Tua Mão, Senhor," de "Oração de Todas as Horas") e versos que reformulam, sobretudo na secção "Presença" de Serra-Mãe, o tema modernista de desdobramento do sujeito poético, num conflito entre o eu que se evade, confundido com a vida da massa vulgar e distraída, e o eu imbuído do sentimento de cumprir uma missão ideal. (Daqui)

"Recanto de Praia" por António Carvalho da Silva (Silva Porto). Um retrato da praia do Portinho da Arrábida.

 

"Aqui estou novamente na Arrábida, a firmar as forças e cheio de confiança, de serenidade, de sonho. Cabo da Boa Esperança!"

Sebastião da Gama, in Diário (p. 360) (daqui)

 

 

 Retrato fotográfico de  Silva Porto por Arthur Benarus (1861-1926).
Casa-Museu Dr. Anastácio Gonçalves

 

 Silva Porto

(Porto, 1850 - Lisboa, 1893)

A Natureza é a maior fonte de inspiração deste pintor de paisagens vivas, cujos quadros cedo causam sensação. Silva Porto compõe imagens do mundo rural, com uma luz e cor quase fotográficas. Ramalho Ortigão chamou-lhe "o Garrett da pintura portuguesa."

Estudou muito para ser o grande pintor que foi, reconhecido e aclamado “Divino Mestre” pelos companheiros, os melhores valores da nova geração da segunda metade do século XIX que, com ele na liderança, fundaram o Grupo do Leão, uma tertúlia de artistas e intelectuais  imortalizada no célebre quadro de Columbano Bordalo Pinheiro. O Grupo, que mais tarde deu lugar ao Grémio Artístico, mobilizava-se para divulgar a pintura do Naturalismo em Portugal. Várias exposições foram então organizadas, na primeira, em 1881, Silva Porto apresenta-se com mais de 20 óleos inspirados na natureza.

De personalidade reservada, este pintor nascido no Porto em 1850, aventura-se na sua formação. Depois de completar o curso na Academia Portuense de Belas-Artes, é bolseiro em Paris, estuda com os consagrados Yvon, Cabanel, Beauverie e Groseillez. Neste período conhece a Escola de Brabizon de Pintura ao Ar Livre onde, sob a orientação do mestre Daubigny, experimenta a pintura de paisagens no local, influência que ficará para sempre. Os trabalhos que produz são expostos no “Salon” e na Exposição Universal com aplausos da crítica. Completa a aprendizagem artística em Itália, onde pintou típicas figuras femininas como “Fiandeira Napolitana”. A seguir, viaja pela Europa para conhecer de perto as obras de grandes paisagistas.

Quando regressa a Portugal, com menos de 30 anos, Silva Porto já não é um desconhecido. Os quadros de grande riqueza cromática que fora enviando para a pátria, tinham sido recebidos com entusiasmo. É então convidado para reger a cadeira de Pintura de Paisagem na Academia de Belas-Artes de Lisboa. Porém, a consagração do jovem artista será inquestionável no dia em que o rei D. Fernando lhe compra o quadro “A Charneca de Belas” por 300 reis. Foi na Exposição da Sociedade Promotora de Belas-Artes, uma das muitas em que participa com medalhas de ouro e prata e valorosas distinções.

A pintura de Silva Porto é muito portuguesa, exaltante das terras e dos costumes, em cores generosas e luminosas. “A condução do rebanho”, “A salmeja”, “Seara”, “Ceifeiras”, são apenas alguns títulos de uma extensa lista, acervo de vários museus nacionais. O pintor, que escolheu ter o nome da sua terra natal no apelido, foi o pintor de todo um país. (Daqui)

 

"Esperança" - Poema de Mário Quintana

Edward Burne-Jones, Spes or Hope, 1871, Watercolour, 

Dunedin Public Art Gallery, New Zealand Museums

 

 

Esperança

Lá bem no alto do décimo segundo andar do Ano
Vive uma louca chamada Esperança
E ela pensa que quando todas as sirenas
Todas as buzinas
Todos os reco-recos tocarem
Atira-se
E
— ó delicioso voo!
Ela será encontrada miraculosamente incólume na calçada,
Outra vez criança...
E em torno dela indagará o povo:
— Como é teu nome, meninazinha de olhos verdes?
E ela lhes dirá
(É preciso dizer-lhes tudo de novo!)
Ela lhes dirá bem devagarinho, para que não esqueçam:
— O meu nome é ES-PE-RAN-ÇA...

Mário Quintana

Texto extraído do livro Nova Antologia Poética,

 Editora Globo – São Paulo, 1998, p. 118.

 

 

 

Photogravure of a portrait of Edward Burne-Jones

by his son Philip Burne-Jones, 1898

 

Pintor inglês oitocentista, sir Edward Coley Burne-Jones nasceu no ano de 1833, em Birmingham, e faleceu em 1898. 

Estudou no Exeter College, em Oxford, a partir de 1853, com a intenção de seguir a carreira eclesiástica. Lá travou conhecimento com William Morris e estabeleceu contacto com a arte, a literatura e a poesia, sobretudo as da época medieval, para a qual se inclinava o seu amigo (que viria a ser um dos mentores do movimento Arts and Crafts, um retorno ao autêntico e, portanto, ao manufaturado). Esta influência acentuou-se ao travar conhecimento com Dante Gabriel Rossetti, ao visitar o Norte de França e ao ler os escritos de John Ruskin e do jornal pré-rafaelita The Germ, pelo que decidiu deixar a universidade em 1856 com o intuito de se tornar pintor. 

 

Recebeu aulas de Rossetti, em Londres, e colaborou com ele e com Morris na pintura do mural da Oxford Union Debating Chamber, em 1857. 

Na cidade de Londres conheceu os nomes mais importantes do movimento pré-rafaelita, como Ford Madox Brown, Arthur Hugues e Thomas Woolner, e a partir de 1861 passou a desenhar decoração de mobiliário, vitrais e tapetes para a empresa Morris, Marshall, Faulkner e Companhia, da qual foi sócio fundador. 

 

Em 1859 Burne-Jones foi pela primeira vez a Itália e contactou com as obras de Miguel Ângelo, Andrea Mantegna, Luca Signorelli, Orcagna e Sandro Botticelli, pintores cronologicamente anteriores a Rafael, e em 1862 foi a vez de conhecer, com Ruskin, a pintura de Veneza. O estilo deste pintor, presente em obras como Merlin and Nimuë, The Arming of Perseus, The Beguiling of Merlin e King Cophetua and the Beggar Maid, caracteriza-se por um ambiente etéreo, onírico, poético e indefinido onde se situam figuras andróginas, resultando numa obra marcadamente estética. 

 

A primeira exposição em que entraram as suas obras foi por volta de 1860, na Watercolour Society, mas a que lhe deu fama nacional foi a de 1877, na Grosvenor Gallery. 

Em 1885 Burne-Jones foi eleito sócio da Royal Academy, da qual se retirou em 1893, e no ano de 1894 recebeu o título de barão. 

A obra The Dephts of the Sea foi exposta na Exposição de verão de 1886 e King Cophetua and the Beggar Maid ganhou a primeira medalha na Exposição Internacional de Paris de 1889.

Notabilizou-se não só pelo seu estilo pessoal como por se ter desviado da linha moralista e vocacionada para o catolicismo reator ao anglicanismo dos primeiros pré-rafaelitas. Esta designação proveio do facto do conjunto de pintores que iniciaram o movimento se apoiarem na conceção de trabalho de pintores como os supra mencionados (chamados de primitivos italianos), num esforço de reação ao capitalismo industrial apoiado pela doutrina anglicana, utilizando com o intuito de atingir tal fim técnicas pictóricas simples para captar a "verdade" das coisas. (Daqui)

 

"Esperança" - Poema de Almada Negreiros

Almada Negreiros (São Tomé e Príncipe, 1893 — Lisboa, 1970),  

A Engomadeira, 1938. Óleo sobre tela. 50 x 40 cm. 

Coleção particular (daqui)

 

 

Esperança

Esperança:
isto de sonhar bom para diante
eu fi-lo perfeitamente,
Para diante de tudo foi bom
bom de verdade
bem feito de sonho
podia segui-lo como realidade

Esperança:
isto de sonhar bom para diante
eu sei-o de cor.
Até reparo que tenho só esperança
nada mais do que esperança
pura esperança
esperança verdadeira
que engana
e promete
e só promete.

Esperança:
pobre mãe louca
que quer pôr o filho morto de pé?

Esperança
único que eu tenho
não me deixes sem nada
promete
engana
engano que seja
engana
não me deixes sozinho
esperança. 

 

 

Almada Negreiros

 

 

 
Almada Negreiros (daqui) 

 

 

"A esperança seria a maior das forças humanas, se não existisse o desespero." 

 

(Victor Hugo) 

 

 

"Cântico da Esperança" - Poema de Rabindranath Tagore

 

Angiolo Tommasi (Italian, 1858 -1923), The Emigrants,1895

 

Cântico da Esperança


Não peça eu nunca
para me ver livre de perigos,
mas coragem para afrontá-los.

Não queira eu
que se apaguem as minhas dores,
mas que saiba dominá-las
no meu coração.

Não procure eu amigos
no campo da batalha da vida,
mas ter forças dentro de mim.

Não deseje eu ansiosamente
ser salvo,
mas ter esperança
para conquistar pacientemente
a minha liberdade.

Não seja eu tão cobarde, Senhor,
que deseje a tua misericórdia
no meu triunfo,
mas apertar a tua mão
no meu fracasso!


Rabindranath Tagore,
in "O Coração da Primavera"
Tradução de Manuel Simões

 

 

"Cântico" - Poema de Carlos Nejar

Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898), Hope [L'Espérance], 1872, Walters Art Museum

[In the wake of the catastrophic Franco-Prussian War of 1870-71, the artist painted this picture of a young woman seated in a devastated landscape holding an oak twig as a symbol of hope for the nation's recovery from war and deprivation. This painting was exhibited at the Paris Salon of 1872. A smaller variant, showing the subject nude, is at the Musée d'Orsay, Paris. Puvis de Chavannes was one of the most original artists of his generation. His utopian visions, in which the figures seem to float in a dream-like landscape, served as a point of departure for many younger artists, such as Paul Gauguin (1848-1903) and Henri Matisse (1869-1954).] (Daqui)

 

 

Cântico

Limarás tua esperança
até que a mó se desgaste;
mesmo sem mó, limarás
contra a sorte e o desespero.

Até que tudo te seja
mais doloroso e profundo.
Limarás sem mãos ou braços,
com o coração resoluto.

Conhecerás a esperança,
após a morte de tudo. 

 

 

Carlos Nejar,
in“Canga (Jesualdo Monte)”.
Rio de Janeiro: Editora Civilização Brasileira. 1971. 

 

 

Pierre Puvis de Chavannes, L'Espérance [Hope], 1871-1872,  Musée d'Orsay

 

[Pierre Puvis de Chavannes was deeply affected by the Franco-Prussian war and produced several works related to the conflict. In particular, at the Salon of 1872 he exhibited 'Hope', now in the Walters Art Gallery, Baltimore. The Musée d'Orsay has a smaller version, also painted between 1871 and 1872.

The painter portrays hope as a naked girl sitting on a burial mound covered with white drapery. Behind her, a desolate landscape with the ruins of a building and the makeshift crosses of improvised cemeteries evoke the war. However some elements in the painting point to a new era, full of promise. The olive branch in the girl's hand symbolises the return of peace while the light glimmering behind the hills suggests the dawn of the new day. The flowers growing between the pebbles of the burial mound also bear witness to this rebirth. The lack of any historical detail gives the painting universal symbolic value.

The simplified composition of the work, the use of matte colours and the absence of any modelling are characteristic of Pierre Puvis de Chavannes' manner. Paul Gauguin, who was a great admirer of the painter, had a reproduction of this painting in Tahiti; moreover it figures in his 'Still Life with Hope', painted in 1901.] (Daqui)

 

 

Pierre Puvis de Chavannes, Autorretrato, 1887 

Pintor francês, nascido no ano de 1824, em Lyon, e falecido a 14 de dezembro de 1898, em Paris, Pierre Cecile Puvis de Chavannes notabilizou-se pela pintura mural em tela de grandes dimensões, que se apunha à parede numa técnica denominada marouflage (devido à cola, maroufle, que era utilizada para a adesão). Decidiu tornar-se pintor em 1847, após a viagem de convalescença que realizou a Itália. Assim se explica a inspiração na Antiguidade Clássica, tendo idealizado as figuras por meio de um desenho simples, cores irreais e bidimensionalidade espacial, e tentando simultaneamente imitar a tonalidade esbatida da pintura a fresco. 

 

A tendência para a alegoria e o ambiente mitológico onde se encontram figuras cuja constituição remete à escultura Clássica, assim como o perfeito domínio da linha, da cor e do ritmo com um resultado emocional e expressivo excecional, influenciou e suscitou a homenagem de simbolistas (sobretudo pelas obras O Pescador Pobre e Esperança) e de pós-impressionistas, tendo granjeado igualmente um sem-número de admiradores devido à habilidade com que estruturava as diferentes partes das enormes superfícies pintadas. Foi aluno de Thomas Couture e de Eugène Delacroix, tendo recebido também influências das obras de Chassériau, Ingres e Poussin.

A primeira exposição em que entraram obras suas foi a do Salon de 1850, apesar de apenas ter começado a ter realmente sucesso após a exibição das pinturas Concordia e Bellum (adquiridas pelo Museu da Picardia de Amiens, instituição que compraria outras do mesmo autor, como Ave Picardia Nutrix, Trabalho e Descanso) no Salon de 1861. O grande êxito que conheceria durante parte da sua vida deveu-se ao carácter extremamente plástico e decorativo das suas obras, que era realçado pela monumentalidade das telas. 

Alguns dos edifícios que albergam as suas obras são a Biblioteca Pública de Boston (onde o artista trabalhou entre 1894 e 1896), o Palácio das Artes de Lyons (de 1883 a 1886), a Sorbonne (em 1887), o Panteão (com a temática de Santa Genoveva, numa primeira fase, tendo voltado a decorar este espaço entre 1896 e 1898) e o Hôtel de Ville (de 1891 a 1894), em Paris. Estava situado também nesta última cidade o seu estúdio, na Place Pigalle. (daqui)

 

 

Pierre Puvis de Chavannes, The Sacred Grove, Beloved of the Arts and Muses, 1884/89

 

"O Poeta" - Poema de Álvares de Azevedo

Elin Danielson-Gambogi, The Musician, unknown date


O Poeta

Un souvenir heureux est peut-être sur terre
Plus vrai que le bonheur.
A. DE MUSSET

Era uma noite: — eu dormia...
E nos meus sonhos revia
As ilusões que sonhei!
E no meu lado senti...
Meu Deus! por que não morri?
Por que no sono acordei?

No meu leito adormecida,
Palpitante e abatida,
A amante de meu amor,
Os cabelos recendendo
Nas minhas faces correndo,
Como o luar numa flor!

Senti-lhe o colo cheiroso
Arquejando sequioso
E nos lábios, que entreabria
Lânguida respiração,
Um sonho do coração
Que suspirando morria!

Não era um sonho mentido:
Meu coração iludido
O sentiu e não sonhou...
E sentiu que se perdia
Numa dor que não sabia...
Nem ao menos a beijou!

Soluçou o peito ardente,
Sentiu que a alma demente
Lhe desmaiava a tremer,
Embriagou-se de enleio,
No sono daquele seio
Pensou que ele ia morrer!

Que divino pensamento,
Que vida num só momento
Dentro do peito sentiu...
Não sei!... Dorme no passado
Meu pobre sonho doirado...
Esperança que mentiu...

Sabem as noites do céu
E as luas brancas sem véu
Os prantos que derramei!
Contem do vale as florinhas
Esse amor das noites minhas!
Elas sim... que eu não direi!

E se eu tremendo, senhora,
Viesse pálido agora
Lembrar-vos o sonho meu,
Com a fronte descorada
E com a voz sufocada
Dizer-vos baixo: — Sou eu!

Sou eu! que não esqueci
A noite que não dormi,
Que não foi uma ilusão!
Sou eu que sinto morrer
A esperança de viver...
Que o sinto no coração!

Riríeis das esperanças,
Das minhas loucas lembranças,
Que me desmaiam assim?
Ou então, de noite, a medo
Choraríeis em segredo
Uma lágrima por mim!


Álvares de Azevedo

Edith Martineau, Portrait of Herbert Foster-Barham, 1876


"É bem doce o pensamento de ter-se um amigo ainda que ausente."

(Álvares de Azevedo)

Álvares de Azevedo


Biografia de Álvares de Azevedo

Álvares de Azevedo (1831-1852) foi um poeta, escritor e contista, da Segunda Geração Romântica brasileira. Suas poesias retratam o seu mundo interior. É conhecido como "o poeta da dúvida".
Faz parte dos poetas que deixaram em segundo plano, os temas nacionalistas e indianistas, usados na Primeira Geração Romântica, e mergulharam fundo em seu mundo interior. É Patrono da cadeira n.º 2, da Academia Brasileira de Letras.

Manuel António Álvares de Azevedo nasceu em São Paulo no dia 12 de setembro de 1831. Era filho do Doutor Inácio Manuel Alvares de Azevedo e Dona Luísa Azevedo. Aos dois anos de idade, junto com sua família, muda-se para o Rio de Janeiro.
Em 1836 morre seu irmão mais novo, facto que o deixou bastante abalado. Foi aluno brilhante, estudou no colégio do professor Stoll, onde era constantemente elogiado. Em 1845 ingressou no Colégio Pedro II.

Em 1848, Álvares de Azevedo voltou para São Paulo e iniciou o curso de Direito na Faculdade do Largo de São Francisco, onde passou a conviver com vários escritores românticos.
Nessa época fundou a revista da Sociedade Ensaio Filosófico Paulistano, traduziu a obra Parisina, de Byron e o quinto ato de Otelo, de Shakespeare, entre outros trabalhos.

Álvares de Azevedo passava o maior tempo às voltas com os livros da faculdade e dedicado a escrever suas poesias. Toda sua obra poética foi escrita durante os quatro anos que cursou a faculdade. O sentimento de solidão e tristeza, refletidos em seus poemas, era de facto a saudade da família, que ficara no Rio de Janeiro.

• Morte

Em 1852, Álvares de Azevedo adoece e abandona a faculdade, um ano antes de completar o curso de Direito. Vitimado por uma tuberculose e sofrendo com um tumor, Álvares de Azevedo é operado, mas não resiste.

Álvares de Azevedo faleceu no dia 25 de abril de 1852, com apenas 20 anos de idade. Sua poesia Se Eu Morresse Amanhã!, escrita alguns dias antes de sua morte, foi lida, no dia de seu enterro, pelo escritor Joaquim Manuel de Macedo:

Se Eu Morresse Amanhã

Se eu morresse amanhã, viria ao menos
Fechar meus olhos minha triste irmã;
Minha mãe de saudades morreria
Se eu morresse amanhã!

Quanta glória pressinto em meu futuro!
Que aurora de porvir e que amanhã!
Eu perdera chorando essas coroas
Se eu morresse amanhã!

Que sol! que céu azul! que doce n'alva
Acorda a natureza mais louçã!
Não me batera tanto amor no peito
Se eu morresse amanhã!

Mas essa dor da vida que devora
A ânsia de glória, o doloroso afã...
A dor no peito emudecera ao menos
Se eu morresse amanhã!

• O Ultra Romantismo

Álvares de Azevedo é o nome mais importante do "Ultra Romantismo", também conhecido como a "Segunda Geração Romântica", quando os poetas deixaram em segundo plano os temas nacionalistas e indianistas e mergulharam no seu mundo interior.

Seus poemas falam constantemente do tédio da vida, das frustrações amorosas e do sentimento de morte. A figura da mulher aparece em seus versos, ora como um anjo, ora como um ser fatal, mas sempre inacessível.

Álvares de Azevedo deixa transparecer em seus textos, a marca de uma adolescência conflitante e dilacerada, representando a experiência mais dramática do Romantismo brasileiro.

Em alguns poemas, Álvares de Azevedo surpreende o leitor, pois além de poeta triste e sofredor, mostra-se irónico e com um grande senso de humor, que ri da própria poesia romântica. Álvaro de Azevedo não teve nenhuma obra publicada em vida. O livro Lira dos Vinte Anos foi a única obra preparada pelo poeta.

• Livros de Álvares de Azevedo

Macário, obra dramática, (1850)
Lira dos Vinte Anos, poesia (1853)
A Noite na Taverna, prosa (1855)
O Conde Lopo, poesia (1866) 

(Daqui)

Edith Martineau, Myrrine


Amor

Quand la mort est si belle, Il est doux de mourir.
 V. Hugo

Amemos! Quero de amor
Viver no teu coração!
Sofrer e amar essa dor
Que desmaia de paixão!

Na tu'alma, em teus encantos
E na tua palidez
E nos teus ardentes prantos
Suspirar de languidez!

Quero em teus lábio beber
Os teus amores do céu,
Quero em teu seio morrer
No enlevo do seio teu!

Quero viver d'esperança,
Quero tremer e sentir!
Na tua cheirosa trança
Quero sonhar e dormir!

Vem, anjo, minha donzela,
Minha'alma, meu coração!
Que noite, que noite bela!
Como é doce a viração!

E entre os suspiros do vento
Da noite ao mole frescor,
Quero viver um momento,
Morrer contigo de amor!

Álvares de Azevedo

Edith Martineau, Hampstead Heath in December, Watercolour

The watercolourist Edith Martineau (1842–1909) was born in Liverpool on 19 June 1842, one of the eight children of Dr James Martineau (1805–1900), the Unitarian theologian and minister, and his wife, Helen (1804–1877). She was also the niece of the author Harriet Martineau (but was not related to the artist Robert Braithwaite Martineau, 1826-1869). She felt that she owed her love of painting to her mother, who was herself artistically gifted, and who had encouraged her children's artistic pursuits from the earliest years, setting them to illustrate "in play-hours the books that they read in school" (see Huish 150). Later on, Edith had a thorough training: first at the Liverpool School of Art, then, when the family moved to London, at Leigh's School of Art. In 1862, still aged only twenty, she became one of the first women to gain admission to the Royal Academy Schools, and in the early 1880s, she also took classes at the Slade School (see Huneault, and Weeks 329). 

By 1862 she was already exhibiting her work, which she continued to do regularly and at a variety of exhibitions, from the Royal Society of Painters in Water Colours and the Royal Academy in London, to Liverpool's Walker Gallery, the Manchester City Art Gallery, the Royal Society of Artists in Birmingham, and others elsewhere (see Huneault). At the Dudley Art Gallery, where she exhibited a number of works in 1876, she was praised for her "half-length" portraits of her father and a Mrs J. L. Roget, which, the reviewer felt, were "clever, painstaking studies, remarkable from freedom of affectation and honest, good painting" (209). She was elected an associate of the Royal Society of Painters in Water Colours in 1888, a particular honour for a woman painter — the Spectator reviewer had said that this was a branch of art "that has seldom been attempted with any success by members of her sex"(209).

In 1904, Marcus Huish writes, "Costume pictures and classical subjects, by which she first claimed attention, have of late years given way to pure landscape, and to flowers out of doors and in the fields" (150). Sadly, she died only a few years later. Her Times obituary compared her watercolours of rural subjects to the work of Helen Allingham, describing her landscapes as being "graceful transcripts of nature, perhaps a little idealized," reflecting "in a very complete way her own tastes and her own kindly and sympathetic nature" (13). — Jacqueline Banerjee

 

Works:

• Myrrhine
• Hampstead Heath in December
• Portrait of an Arab
• Aurora Leigh
• The Potato Harvest
• Touching the Strings
• Hampstead Heath Looking towards Harrow on the Hill  (Daqui)  

Edith Martineau, Hampstead Heath Looking Towards Harrow on the Hill, 1905, Watercolour


"A vida é uma pedra de amolar: desgasta-nos ou afia-nos, conforme o metal de que somos feitos."

(George Bernard Shaw)